postmodernā māksla
Tiek uzskatīts, ka XNUMX. gadsimtā notika tā sauktā “super fundamentālo pamatu nāve”: Dievs, cilvēks un autors. Citiem vārdiem sakot, tika satricināta reliģiskā bāze, radās humānisma ideju krīze, un radītāji pārgāja no jaunas radīšanas pie vecās pārdomāšanas.
Postmodernisms mākslā ir daļa no globālas tendences, ko ir iekļāvusi pasaules kultūra un filozofija. Postmodernisms nav vienots stils, bet virzienu komplekss, ko vieno kopīgs ideoloģisks pamats. Daudzi no viņiem pat cīnās savā starpā.
Postmodernisms ir termins, kas atvasināts no franču valodas (postmodernisme). Šis nosaukums atspoguļo tā virziena nozīmi, kas aizstāja modernisma laikmeta mākslu (nejaukt ar modernismu). XNUMX. gadsimta beigās un XNUMX. gadsimta sākumā modernisma (vai avangarda) kustības deva smagu triecienu klasiskajai mākslai. Taču pamazām veidotājus pārstāja apmierināt modernisma pieeja.
Paralēli daudzām jaunām tehnoloģijām, postmodernisms ir novedis pie mākslinieciskiem eksperimentiem ar jauniem medijiem un jaunām mākslas formām gandrīz piecus gadu desmitus, tostarp konceptuālo mākslu, dažāda veida performances un mākslas instalācijas, kā arī datorstraumes, piemēram, dekonstruktīvismu un tehnoloģiju. .
Postmodernisma raksturojums
Žans Fransuā Liotārs un citi teorētiķi apraksta modernitātes garīgos pamatus kā nesatricināmu ticību arvien detalizētākai pasaules saspiežamībai un pakāpeniskai pieejai perfektām zināšanām. XNUMX. gadsimta totalitārās sistēmas uz visiem laikiem diskreditēja šādu modeļu absolūto raksturu.
Šie ir iemesli, kāpēc postmodernisms ir jādefinē kā apzināta modernitātes pārrāvums. Postmodernisms noraida ne tikai mūsdienu ticību progresam, bet arī saprotamas objektīvas realitātes esamību. Postmodernā teorija un estētika pieņem, ka visas zināšanas, visa uztvere un katra apziņas un eksistences joma ir pakļauta relativitātei. Postmodernisma galvenais jēdziens ir plurālisms.
Modernitātes vēlme pastāvīgi radīt kaut ko jaunu un tā sasniegšanai izmantotie mākslinieciskie līdzekļi postmodernismā tiek uzskatīti par automatizētiem, iedibinātiem un novecojušiem. Princips, ka nevar radīt neko jaunu, padara citātu izmantošanu par būtisku postmodernās mākslas stilistisko iezīmi.
Prasība pēc atvērtības mākslas koncepcijā un individuālajā mākslas darbā paver gandrīz neierobežotas iespējas, no vienas puses: postmodernisms, pārkāpjot žanru robežas, paver dažādas jaunas izteiksmes formas.
Postmodernisma laikmetā bieži izmantota tehnika ir kolāža. Šis termins, kas XNUMX. gadsimta sākumā tika ieviests attiecībā uz Dada uzlīmēm, ir daudz plašāks postmodernisma laikmetā. Tas ietver, piemēram, liela mēroga instalācijas, filmu tehnikas vai mūzikas kompozīcijas procesus.
Tādi autori kā Umberto Eko (Rozes vārds), tādi arhitekti kā Friedensreich Hundertwasser (Hundertvaserhausa, Vīne) un tādi mākslinieki kā Kīts Harings cenšas pārvarēt plaisu starp elitāro izpratni par mākslu un masu kultūru; arī tas ir būtisks postmodernās estētikas aspekts.
Daudzi postmodernie darbi, īpaši skatuves mākslā, nevēlas tikt saprasti kā ideāls rezultāts, bet gan kā eksperimentāls aranžējums. Prezentācija būs fragmentāra (literatūra: Roland Barthes, Fragments of a Love Language) vai darbs procesā (dejas teātris: William Forsythe, The Work of Scott) dažādos tā attīstības posmos.
Mākslas kritiķi uz jautājumu, kas ir postmodernisms glezniecībā, sniedz dažādas atbildes, jo postmodernā kultūra ir daudzšķautņaina parādība un tai nav skaidras ideoloģiskās platformas. Postmodernisti neradīja universālu kanonu, turklāt principiāli atteicās no tā radīšanas. Varbūt vienīgā šīs tendences piekritēju deklarētā pamatvērtība ir bezgalīga vārda brīvība.
Postmodernisms nav kustība, bet gan vispārējs domāšanas veids. Tāpēc nav vienota īpašību saraksta, kas definētu "postmoderno mākslu". Tomēr ir vairākas pazīmes, kas raksturīgas postmodernajai mākslai:
- Mākslinieka neierobežota un absolūta brīvība pašizpausmes metožu izvēlē.
- Pārdomājiet tradicionālos attēlus, iekļaujot tos jaunā kontekstā (līdz ar to plaši izplatīti pārtaisi, interpretācijas, mākslinieciski citāti, aizņēmumi, mājieni).
- Sinkrētisms, tas ir, neviendabīgu elementu saplūšana vienotā veselumā, kas dažkārt pat ir pretrunā viens otram (piemēram, mākslinieka dažādu stilu izmantošana gleznā vai pat glezniecības kombinācija ar citiem mākslas veidiem).
- Dialogs, tas ir, skats uz tēmu no dažādiem leņķiem, no dažādu «balsu» pozīcijām, kas galu galā rada polifonisku «simfoniju».
- Darba prezentācijas forma, skatītāja aicinājums pievienoties darbam ar nozīmēm.
- Radošuma šokējošs raksturs.
- Autora ironija un pašironija. Mākslinieki tagad ir daudz skeptiskāki pret "lielajām idejām" (piem., ka viss progress ir labs).
- Postmodernisms ir plaši izplatītas neapmierinātības izpausme ar dzīvi un esošo vērtību sistēmu un/vai tehnoloģiju spēju radīt pozitīvas pārmaiņas. Tā rezultātā autoritāte, pieredze, zināšanas un motivācija ir kritusi neslavu.
- Modernā māksla tika uzskatīta ne tikai par elitāru, bet arī kā baltu (ādas krāsas izpratnē), kurā dominē vīrieši un neieinteresēja minoritātes. Tāpēc postmodernā māksla atbalsta trešās pasaules mākslinieku, feministu un minoritāšu mākslu.
Postmodernā, laikmetīgā un vēlīnā modernā māksla
Parasti postmodernā māksla un laikmetīgā māksla tiek lietotas vairāk vai mazāk sinonīmi. Tomēr no tehniskā viedokļa postmodernā māksla nozīmē "pēc modernitātes" un attiecas uz noteiktu periodu, kas sākas ap 1970. gadu, savukārt laikmetīgā māksla galvenokārt attiecas uz aptuveni piecdesmit gadu mainīgo periodu tieši pirms mūsdienām.
Pašlaik šie divi periodi sakrīt. Taču 2050. gadā postmoderno mākslu (piemēram, no 1970. līdz 2020. gadam) varēja aizstāt cits laikmets, tomēr laikmetīgā māksla tad aptver laika posmu līdz šim gadam.
Vizuālajā mākslā termins vēlais modernais attiecas uz kustībām vai tendencēm, kas noraida kādu modernās mākslas aspektu, bet citādi paliek modernisma tradīcijās. Tādus stilus kā abstraktais ekspresionisms (1948–65) praktizēja vairāki radikāli mūsdienu mākslinieki, tostarp Džeksons Polloks un Vilems De Kūnings, kuri iebilda pret daudzām formālajām eļļas glezniecības konvencijām.
Un tomēr ne Polloks, ne de Kūnings nevarēja radīt neko līdzīgu Raušenberga Dzēstajam De Kūninga zīmējumam, jo viņi abi stingri ticēja autentiskuma un nozīmes jēdzieniem.
Postmodernās mākslas vēsture
Pirmais nozīmīgais mākslas stils pēc renesanses bija akadēmiskā māksla, ko pasniedza akadēmijas profesori. Akadēmiskajā mākslā saplūst daudzi stili un strāvojumi, piemēram, klasicisms un romantisms. No 1870. gada līdz ar impresionisma atnākšanu radās modernā māksla. Pirmās iezīmes parādījās ap 1970. gadu, kas tagad tiek apkopota kā postmodernā māksla.
Mūsdienu māksla lielākoties ir saistīta ar 1870.–1970. gadsimtu, piemēram, no impresionisma līdz popārtam. Neskatoties uz dažādām globālām katastrofām (Pirmais pasaules karš, gripa, Volstrītas avārija un Lielā depresija), kas iedragāja daudzas mūsdienu morālās pārliecības, mūsdienu mākslinieki parasti saglabāja ticību dabas zinātniskajiem pamatlikumiem. Saprāts un racionāls domāja.
Kopumā, tāpat kā lielākā daļa tā laika rietumnieku, viņi uzskatīja, ka dzīvei ir jēga. Tas, ka zinātnes progress automātiski bija pozitīvs, ka kristīgie Rietumi bija pārāki par pārējo pasauli, ka vīrieši ir pārāki par sievietēm. Modernisms arī ticēja mākslas, īpaši tēlotājmākslas un arhitektūras, nozīmei, aktualitātei un progresam.
Sekojot Leonardo un Mikelandželo pēdās, viņi ticēja augstajai mākslai, mākslai, kas paceļ un iedvesmo izglītotu skatītāju, nevis "zemajai mākslai", kas tikai izklaidē masu. Viņi izmantoja progresīvu pieeju un uzskatīja mākslu par kaut ko tādu, kam būtu nepārtraukti jāattīstās, vadoties pēc vadošās avangarda mākslinieku grupas.
Otrais pasaules karš un holokausts visu apgrieza kājām gaisā. Parīzi pēkšņi nomainīja Ņujorka kā mākslas pasaules galvaspilsēta. Pēc kara zvērībām visa figurālā māksla pēkšņi šķita nenozīmīga, tāpēc mūsdienu gleznotāji, lai izpaustos, pievērsās abstraktajai mākslai.
Pārsteidzoši, ka Ņujorkas skola ar Džeksona Polloka gleznām un Marka Rotko mierīgāko krāsu lauka gleznojumu veicināja īslaicīgu mākslas atdzimšanu abās Atlantijas okeāna pusēs 1950. gados. Avangarda gleznotājiem izdevās no jauna definēt abstraktuma robežas. glezniecību, taču palika mūsdienīguma robežās. Viņi ticēja radīt autentiskus, pabeigtus mākslas darbus ar nozīmīgu saturu.
Taču modernitātei neizbēgami tuvojās gals. Pieaugošās Shoah atklāsmes, atombumbu izmēģinājumi, Kubas raķešu krīze un Vjetnamas karš atstāja cilvēkus arvien vairāk vīlušies par dzīvi un mākslu.
Džaspers Džons un Roberts Raušenbergs jau bija radījuši pirmos postmodernos neodada un popārta darbus 1950. gadu vidū. Drīz vien mainstream pop māksla ieviesīs pašu postmoderno mākslu, jo Amerikas televīzijas tīkli koncentrējās uz 1968. gada Tet ofensīvu un haotisko. 1968. gada Demokrātiskā nacionālā konvencija.
No šī laika ritējuma mākslas vēsturē var konstatēt arī attieksmi pret mākslu no mākslinieka un sabiedrības puses. Mūsdienu māksliniekus un skatītājus nenosaka vecie mācību un donoru institūciju priekšstati par to, kas ir māksla un kas var būt māksla. Mākslas iespējas un pielietojumi ir kļuvuši daudzveidīgāki, nespiežot sevi noteiktā korsete.
Mūsdienu arhitektūru ietekmēja vēlme radīt pilnīgi jaunu stilu mūsdienu cilvēkam. Arhitekti vēlējās noņemt visas vēsturiskās atsauces un radīt kaut ko pilnīgi jaunu. Tas noveda pie starptautiskā stila (apmēram 1920-1970), minimālistiska regularitātes dizaina.
Par laimi, ap 1970. gadu postmodernie arhitekti sāka atdzīvināt XNUMX. gadsimta arhitektūru, projektējot struktūras ar interesantām iezīmēm, kas iegūtas no populārās kultūras un tradicionālākiem arhitektūras stiliem. Struktūras, kas, šķiet, apiet gravitāciju, ir kļuvušas iespējamas arī ar jaunām datorvadāmām iespējām dekonstruktīvisma ietvaros.
Postmodernisma kustība veidojās 1960. gadsimta 1970. un XNUMX. gados, taču tās rašanās priekšnoteikumi ir saistīti ar pasaules uzskatu krīzi, kas radās jau sen. To vidū: Špenglera tēze par Eiropas pagrimumu; sabiedrības apziņas sabrukums Pirmā pasaules kara dēļ; ideju parādīšanās zinātnē par pasaules kārtības nekonsekvenci un neskaidrību (no ne-eiklīda ģeometrijas līdz kvantu fizikai).
Termins postmoderns tika lietots jau 1950. gadsimta beigās un pēc tam arvien biežāk 1970. gadsimta sākumā, bet tikai 1979. gados tā pašreizējās nozīmes izpratnē. XNUMX. gadu beigās divi autori galvenokārt palīdzēja terminam kļūt par pastāvīgu priekšmetu: Žans Fransuā Liotārs ar darbu La Condition postmoderne (Postmodernās zināšanas, XNUMX) un Čārlzs Dženkss ar eseju Postmodernās arhitektūras uzplaukums.
Ieviešot terminu postmodernisms, modernisms pirmo reizi tiek definēts kā noslēgts vēstures laikmets (kā senatne vai viduslaiki pirms tās). Postmoderns ir nostiprinājies kā stilistisks termins, īpaši arhitektūrā.
Postmodernisti secināja, ka mūsdienu pasauli nevar aprakstīt klasiskās filozofijas, zinātnes un kultūras pieejas ietvaros. Līdz ar to klasiskās mākslas metodes nav adekvātas, lai to aprakstītu.
tehnoloģiju izmantošana
Postmodernās mākslas laikmets sakrita ar vairāku jaunu vizuālo tehnoloģiju (piemēram, televīzijas, video, interneta un citu) ieviešanu un lielu labumu no tām. Jaunais video un fotogrāfijas formātu klāsts ir samazinājis zīmēšanas mākslas nozīmi, un manipulācijas ar jaunajām tehnoloģijām ļāvušas māksliniekiem saīsināt tradicionālos mākslas radīšanas procesus, bet tomēr radīt ko jaunu.
Postmodernās mākslas kustības un stili
Līdz šim postmodernajā mākslā nav bijušas lielas starptautiskas mākslas kustības. Tā vietā laikmetā parādījās vairākas šauras, lokalizētas plūsmas, kā arī vairākas pilnīgi jaunas mākslas formas, piemēram, video un vārdu glezniecība.
Turklāt ir bijuši desmitiem mākslas frakciju, kā arī anti-postmodernisma centrs vai divi, kuru dalībnieki ir centušies radīt tādu mākslas veidu, ar kuru būtu lepni Mikelandželo vai Pikaso.
Kopš neodadaisma postmodernistiem ir paticis sajaukt lietas vai ienest tradicionālajās formās jaunus elementus, lai radītu jaunas kombinācijas. Fernando Botero glezno primitīvus aptaukojušos figūru attēlus, Georgs Bazelics glezno figūras otrādi.
Gerhards Rihters savās 1970. gadu fotogrāfiju gleznās apvienoja kameru mākslu un glezniecību, savukārt Džefs Kūns apvienoja uz patērētājiem orientētus attēlus ar izsmalcinātām skulptūru tehnikām, lai radītu savas nerūsējošā tērauda skulptūras.
Andreass Gurskis apvieno fotogrāfiju ar datorizētiem attēliem, lai radītu tādus darbus kā Reins II, savukārt Džefs Vols savos postmoderno attēlu veidojumos izmanto digitāli apstrādātas fotomontāžas.
Mākslas kritiķu vidū nav vienprātības par to, kādus mākslas stilus var klasificēt kā postmoderno mākslu: piemēram, daži stili vienlaikus tiek klasificēti kā avangards un postmoderns. Tomēr var izdalīt šādu postmodernisma kustību un stilu sarakstu:
Dadaisms
Dadaisti uzskatīja, ka Pirmā pasaules kara brutalitāte, kas satricināja Eiropu, sagādājot sāpes un ciešanas miljoniem cilvēku, ir loģikas un racionālisma rezultāts. Šī iemesla dēļ viņi ar savu radošumu veicināja estētisko kanonu graušanu, cinismu, sistemātiskumu, iracionalitāti.
Kolāža kļuva par galveno Dada mākslinieku radošo metodi. Audekls vai papīrs kalpoja kā fons, uz kura mākslinieks veidoja kolāžu, izmantojot auduma atgriezumus, papīra gabalus un citus materiālus.
Dada pastāvēja salīdzinoši neilgu laiku: no 1916. līdz 1923. gadam. Tas ir saistīts ar faktu, ka tās ideoloģiskā platforma bija pacifists patoss, kas pretojas Pirmā pasaules kara realitātei. 1920. gados Dada apvienojās ar ekspresionismu Vācijā un ar sirreālismu Francijā.
Popmāksla
Pop art (pop art) ir stils, kas pārnesa patērētāju kultūru uz mākslas jomu un iemācīja cilvēcei saskatīt skaistumu trīsdesmit trīs zupas skārdenēs. Popmākslu nevajadzētu jaukt ar populāro kultūru. Autori masu kultūru uzskatīja par objektu, tāpat kā portretists skatās uz modeli vai ainavu mākslinieku: dabas klēpī.
Masu kultūras tēma, uz kuru pievērsās mākslinieka skatiens, tika pārveidota par kaut ko oriģinālu: mākslas objektu, kas lauzās caur mākslinieka interpretāciju. No mākslinieciskā viedokļa šis stils apelēja uz materialitāti, objektivitāti, atšķirībā no citas populāras tendences – abstrakcionisma. Popmāksla radās cīņā pret abstrakcionistu radošumu un vēstīja par atgriešanos pie konkrētu objektu eksponēšanas uz audekla.
Pati par sevi pievilcība ikdienas lietām nav sveša glezniecības vēsturē. Galu galā klusā daba ir mākslinieka skatījums uz apkārtējiem objektiem. Patiesībā starp Karavadžo vāzi un Vorhola zaļajām Coca-Cola pudelēm nav lielas atšķirības. Taču popmākslai bija sava konceptuālā dīvainība: mākslinieki paņēma ikoniskus objektus un attēlus no masu kultūras, ko viņi tagad dēvētu par "mēmiem".
Turklāt viņi pievērsa uzmanību ne tikai priekšmetiem, bet arī attēliem; tipisks piemērs ir Vorhola Merilina Diptihs. Nevar noliegt, ka popmāksla palīdzēja apstiprināt amerikāņu sapni, leģitimizēt patērētāju sabiedrību un tai atbilstošo dzīvesveidu. Tajā pašā laikā tas lika pamatus patēriņa filozofijas kritikai, kas vēlāk nostiprināsies.
Vārda māksla
Termins Word Art apzīmē postmodernas teksta mākslas kategoriju, ko veidojuši dažādi mūsdienu mākslinieki kopš 1950. gadiem. Vienkārša uz tekstu balstītas mākslas definīcija varētu būt "māksla, kas ietver vārdus vai frāzes kā galveno mākslas sastāvdaļu".
Teksta attēli, kas satur vārdus un frāzes, ir publicēti dažādos plašsaziņas līdzekļos, tostarp glezniecībā un tēlniecībā, litogrāfijā un sietspiedē, kā arī lietišķajā mākslā (t-krekli, krūzes). Tas parādās arī jaunākajos laikmetīgās mākslas veidos, piemēram, projekcijas kartēšanā.
Konceptuālā māksla
Konceptuālisms (no latīņu valodas conceptus: doma, reprezentācija) ir postmoderna mākslas strāva, kas sludina darba idejas pārākumu pār tā mākslinieciskās izteiksmes formu. Konceptuālisma piekritēji ir pārliecināti, ka viņu gleznām, skulptūrām, instalācijām un performancēm ir jāraisa skatītājā nevis emocijas, bet gan vēlme intelektuāli pārdomāt redzēto.
Konceptuālisms nav komerciāla māksla, tajā radošuma objekti var būt jebkuri sadzīves priekšmeti, dabas materiāli un pat cilvēka vides daļas. Konceptuālais mākslinieks netiecas radīt gatavu darbu, bet cenšas nodot skatītājam savas idejas, iesaistīties sava veida intelektuālā spēlē.
Koncepta mākslas darbiem ir raksturīgas iezīmes. Šos darbus var atpazīt pēc šādām pazīmēm: ietekmēt skatītāja nevis emocionālo, bet gan intelektuālo uztveri; bieža darba skaidrojoša teksta izmantošana; mākslinieka apzināta formas nozīmes noraidīšana par labu darba nozīmes (idejas) nozīmīgumam; izveidot mākslas objektus no jebkura autoram pieejamā objekta.
Performances māksla un hepeningi
Hepeningi ir avangarda mākslas veids, radošās izpausmes veids, cieši saistīts ar performanču mākslu, kura pamati ir 1896. gadsimta konceptuālās mākslas teorijās, lielā mērā atvasināti no Dadas pārstāvju, kā arī Tristana Cara (1963-XNUMX) paraugdemonstrējumiem. Praksē nav viegli atšķirt Performance Art un Hepenings.
Abi ir rūpīgi plānoti izklaides veidi (kaut arī ar spontanitātes elementiem), kuros mākslinieks veic (vai vada) mākslinieciski teatrālu notikumu. Kaut ko vieglāk saskatīt, nekā aprakstīt vārdos.
Jebkurā gadījumā Hepenings ir spontāns performances mākslas darbs, kas atrodas kaut kur starp drāmu un vizuālo mākslu un parasti aicina un izraisa spēcīgu auditorijas reakciju.
Dada pārejošā stila dēļ tas sākotnēji tika iecerēts kā radikāla alternatīva tradicionālajiem amatniecības principiem un kā "pastāvīgs mākslas objekts". Pilnu šīs jaunās postmodernās mākslas formas skaidrojumu var izlasīt Maikla Kērbija grāmatā "Notikumi" (1965).
Šāda veida mākslas notikumi īpaši saistījās ar Ņujorkas mākslas ainu ap 1960. gadu un joprojām ir redzami labākajās laikmetīgās mākslas galerijās visā pasaulē.
Abstraktā māksla
Abstrakcionisms ir glezniecības un mākslas stils kopumā, kas noraida apkārtējās pasaules reālistisku atveidi. Viņa sekotāji pārstāv vienkāršas un sarežģītas formas, spēlējas ar krāsām, izmanto līnijas, plaknes un citus objektus, tos kombinējot, lai radītu skatītājā noteiktas emocijas. Ar to viņa pieeja atšķiras no tās, ko izmanto klasicisma un daudzu citu stilu piekritēji.
No pirmā acu uzmetiena abstrakcionista glezna var šķist haotiska līniju, formu un plankumu juceklis. Papētot tuvāk, kļūst skaidrs, ka mākslinieks ir radījis veselu kompozīciju, kas radīta, lai skatītājā rosinātu noteiktas domas vai noskaņas.
Abstrakcionisms, attīstoties, tika noslāņots vairākos virzienos, no kuriem katram bija savi pārstāvji. Bija tādi stila veidi kā:
- Ģeometriski. Šajā stilā izpildītajos mākslinieku darbos dominē skaidras formas un līnijas, daudzas no tām rada dziļuma ilūziju.
- Meistari, kas ievēro šo virzienu, aktīvi strādā ar krāsām un to kombinācijām; tieši caur tiem viņi nodod skatītājā emocijas, ko vēlas radīt.
- Šī glezniecības virziena būtība ir pilnīga atsauču neesamība uz reāliem objektiem un ārkārtīgi ierobežota krāsu, formu un līniju izmantošana.
- Mākslinieki, kas strādā šajā virzienā, savos darbos cenšas ienest dinamiku, kustību, caur kuru viņi nodod emocijas un sajūtas. Tajā pašā laikā ēnas, līnijas un formas izgaist fonā.
Montāža
Montāža ir dekoratīvās un lietišķās mākslas tehnika, kurā mākslinieks veido reljefu attēlu, uz līdzenas pamatnes līmējot trīsdimensiju gabalus vai priekšmetus. Montāžas tehnikā pieļaujama arī krāsu izmantošana mākslinieciskas kompozīcijas gleznieciskam papildinājumam.
Montāža, atšķirībā no tai radniecīgās kolāžas, ir paņēmiens trīsdimensiju, nevis divdimensiju (plakanu) elementu piestiprināšanai attēla priekšējai virsmai. Pateicoties tilpuma detaļu izmantošanai, attēls ir pēc iespējas reālistiskāks un vizuāli efektīgāks.
Profesionāli mākslinieki bieži izmanto sadzīves lūžņus un atkritumus, lai radītu savus oriģinālos mākslas darbus. Meistara rokās liels skaits izkaisītu ikdienas priekšmetu kļūst par māksliniecisku kompozīciju, kas ir pilna ar dziļu estētisku saturu.
Mūsdienās darbi, kas radīti asamblāžas tehnikā, vienmēr piesaista laikmetīgās mākslas pazinēju uzmanību. Tie bieži izraisa niknus strīdus kritiķu vidū, taču neatstāj vienaldzīgus un tāpēc sniedz lielu ieguldījumu pasaules kultūras attīstībā.
Fluxus
Fluxus bija brīvi organizēta mākslinieku grupa, kas aptvēra visu pasauli, bet īpaši spēcīga bija Ņujorkā. Džordžs Mačunass vēsturiski tiek uzskatīts par galveno kustības dibinātāju un organizētāju, kurš raksturoja Fluxus kā Spike Jones, Vodeville, Cage un Duchamp saplūšanu.
Tāpat kā futūristi un dadaisti pirms viņiem, arī Fluxus mākslinieki nepiekrita mākslas muzeju autoritātei noteikt mākslas vērtību. Viņi arī ierosināja, ka nav nepieciešama īpaša izglītība, lai redzētu un saprastu mākslas darbu.
Fluxus nevēlējās tikai, lai māksla būtu pieejama masām, viņi vēlējās, lai visi visu laiku radītu mākslu. Bieži vien ir grūti definēt Fluxus, jo daudzi tā mākslinieki ir apgalvojuši, ka pats kustības definēšanas akts jau ir pārāk ierobežojošs un reducējošs.
Atšķirībā no iepriekšējām mākslas kustībām, Fluxus centās mainīt pasaules vēsturi, ne tikai mākslas vēsturi. Vairuma mākslinieku neatlaidīgais mērķis ir bijis izskaust jebkādas robežas starp mākslu un sabiedrību.
Fluxus galvenais princips bija atmest un izsmiet elitāro "augstās mākslas" pasauli un atrast visus iespējamos veidus, kā mākslu nodot masām atbilstoši 1960. gadu sociālajam klimatam. Fluxus mākslinieki izmantoja humoru, lai izteiktu savu nodomu un , kopā ar Dadu, Fluxus bija viena no retajām mākslas kustībām, kas spēja staigāt pa virvi.
Neskatoties uz savu rotaļīgo izturēšanos, Fluxus mākslinieki nopietni domāja par savu vēlmi mainīt spēku līdzsvaru mākslas pasaulē. Viņa necieņa pret augsto mākslu atstāja iespaidu uz muzeja uztverto autoritāti kā autoritāti tam, kas un ko uzskatīt par māksliniekiem.
Fluxus piesaistīja skatītāju un paļāvās uz nejaušības elementu, veidojot mākslas darba gala rezultātu. Nejaušību izmantoja arī Dada, Marsels Dišāns un citi tā laika performanču mākslinieki. Fluxus māksliniekus lielā mērā ietekmēja Džona Keidža idejas, kurš uzskatīja, ka vajadzētu pieiet pie skaņdarba, nezinot gala rezultātu. Svarīgs bija radīšanas process, nevis gala produkts.
Videomāksla
Video ir viens no daudzpusīgākajiem pieejamajiem medijiem. Videofilma var būt pats mākslas darbs un/vai ieraksts par to, kā mākslas darbs tapis; tas var būt arī elements instalācijā un/vai daļa no vairāku video izkārtojuma. Video padara mākslu dinamiskāku un dzīvīgāku. Kopš 1980. gadu beigām gan video, gan animācija ir balstīta uz datoru programmatūras izmantošanu, lai manipulētu ar attēliem.
fotoreālisms
Fotoreālisms ir glezniecības žanrs, kas radās 1960. gadu beigās, reaģējot uz pieaugošo abstrakcijas popularitāti. Kopš tā laika fotoreālistiskās gleznas ar milzīgo uzmanību detaļām ir radījušas optiskas ilūzijas, par kurām var pārliecināties tikai tuvplānā kā fotogrāfijas oriģināla gleznoti attēli.
Tā vietā, lai novērotu un attēlotu notiekošo realitātē, fotoreālismu iedvesmoja fotogrāfija. Ar kameru uzņemtā vizuālā informācija tiek izmantota, lai radītu iluzionistiskas gleznas, zīmējumus un citus mākslas darbus. Mākslinieki bieži projicē fotoattēlus uz audekla, lai attēlus varētu atveidot precīzi un detalizēti.
Arte Povera
Arte Povera (no itāļu izteiciena "nabadzīga māksla" vai "nabadzīga māksla") bija viena no svarīgākajām un ievērojamākajām avangarda mākslas kustībām, kas radās Dienvideiropā XNUMX. gadu beigās.
Tas ietvēra duci itāļu mākslinieku darbus, kuru galvenā radošā iezīme bija ikdienas materiālu izmantošana, kas atgādināja pirmsindustriālo laikmetu. Īpaši populāri bija netīrumi, akmeņi un apģērbs: "atkritumi" vai lēti materiāli, ko viņi izmantoja savā mākslā. Šī pieeja mākslai uzbruka valdošajiem priekšstatiem par vērtību un pareizību un smalki kritizēja tā laika Dienvideiropas industrializāciju un mehanizāciju.
Viņa darbi iezīmēja reakciju uz abstrakto modernisma glezniecību, kas iepriekšējā desmitgadē bija kontrolējusi Eiropas mākslu, no kuras viņš izcēlās ar to, ka vairāk koncentrējās uz tēlniecības darbiem, nevis uz glezniecību.
Daži no grupas nozīmīgākajiem darbiem tika radīti, kontrastējot starp izejvielām un vienlaikus atsaucoties uz patērētāju kultūras pieaugumu. Pārliecībā, ka modernitāte draud izskaust kolektīvo mantojumu, Arte Povera mēģināja pretstatīt jauno ar veco.
Papildus tehnoloģiskā konkursa noraidīšanai ar Artu Poveru saistītie mākslinieki noraidīja to, ko viņi uztvēra kā zinātnisku reālismu. Pretēji metodiskajai pieejai telpiskajām attiecībām, tās izraisīja mītu, kura noslēpumus nebija viegli izskaidrot.
Mākslinieki piedāvāja absurdus un rotaļīgus pretstatījumus, bieži vien jauno un veco vai ļoti apstrādāto un pirmsindustriālo. To darot, viņi ir ilustrējuši dažus modernizācijas efektus, kas veicina vietu un atmiņu iznīcināšanu, jo tā virzās arvien tālākā nākotnē.
Artes Poveras interesi par sliktiem materiāliem var saistīt ar vairākām citām 1950. un 1960. gadu mākslas kustībām. Piemēram, viņi izmantoja dažus paņēmienus ar tādām kustībām kā Fluxus un Nouveau Réalisme, kombinējot viegli pieejamus materiālus ar apakšējo daļu. dumpīgs no ierastā. funkcija.
postminimālisms
Postminimālisma mākslā, terminu, ko pirmo reizi lietoja mākslas kritiķis Roberts Pinkuss Vitens, fokuss pāriet no idejas tīrības uz tās komunikāciju. Kā piemēru var aplūkot vācu izcelsmes amerikāņu mākslinieces Evas Heses darbus.
feminisma māksla
Mākslas kustība, kas nodarbojas ar īpaši sieviešu jautājumiem, piemēram, dzimšanu, vardarbību pret sievietēm, sieviešu darba apstākļiem un daudz ko citu. Piedalās tādi mākslinieki kā Luīze Buržuā un Japānā dzimušais performanču mākslinieks Joko Ono.
dekonstruktivisms
Dekonstruktīvisms ir viens no vizuāli iespaidīgākajiem mākslas veidiem, kāds jebkad ir iecerēts. Viņa savdabīgais, bet intensīvi radošais 80. gadsimta arhitektūras stils radās astoņdesmito gadu beigās, galvenokārt Losandželosā, bet arī Eiropā.
Kā daļa no postmodernās mākslas, kas ir iespējama, izmantojot aviācijas un kosmosa industrijas dizaina programmatūru, dekonstruktīvistiskā arhitektūra kontrastē ar sakārtoto ģeometrijas racionalitāti un dod priekšroku svešai pieejai dizainam, kas parasti izkropļo struktūras ārpusi, vienlaikus graujot elementus. .
Daži vēsturnieki uzskata, ka dekonstruktīvisma filozofija ir arī pretstatā postmodernajai mākslai, lai gan praktiskās sekas tam nav skaidras. Galu galā arhitektam dekonstruktīvistam neatkarīgi no tā, vai tas viņam patīk vai nē, ir jāievēro mūsdienu un postmodernie zinātnes likumi.
Slavenākais dekonstruktīvisma arhitektūras pārstāvis ir kanādiešu izcelsmes amerikānis Prickera balvas ieguvējs Frenks O. Gerijs. Citi labi pazīstami dekonstruktīvisti ir Daniels Libeskinds, Zaha Hadida, Bernards Čumi un Pīters Eizenmans. Īpašas dekonstruktīvisma ēkas ietver: Dejojošo māju (Prāga), Gugenheima muzeju (Bilbao) un Vitra dizaina muzeju Weil am Rhein.
Dekonstruktīvistisko arhitektūru raksturo virsmas manipulācijas, sadrumstalotība un nelineāras formas, kas izkropļo un ignorē struktūras un virsmas arhitektūras konvencijas. To darot, elementi, kas šķiet pretrunā viens otram, tiek apzināti pretstatīti, lai apstrīdētu tradicionālās harmonijas un nepārtrauktības idejas.
cinisks reālisms
Mūsdienu ķīniešu mākslas kustība, kas radās pēc Tjaņaņmeņas laukuma sakāves (1989). Ciniski reālisti izmantoja figurālu glezniecības stilu ar izsmejošu stāstījumu. Atkārtoti motīvi ir figūras, kaili vīrieši un fotogrāfiski portreti. Stils izsmēja Ķīnas politisko un sociālo statusu, un, tā kā šī bija jauna rītausma ķīniešu māksliniekiem, Rietumu mākslas kolekcionāri to atzinīgi novērtēja.
Postmodernā literatūra un kino
Postmodernās literatūras raksturojums ietver pārdomātu attieksmi pret to, kas ir pieejams citātu un mājienu veidā, kā arī spēlēšanos ar literatūras žanriem. Raksturīga ir arī daudzu darbības un attiecību līmeņu konstrukcija, kas bieži vien ir bojāta.
Iespējams, vispazīstamākais postmodernais romāns ir Umberto Eko Rozes vārds Ar ļoti sarežģītu detektīvromānu atgādinošo literāro struktūru Eko izdevās pārvarēt plaisu starp tā dēvēto augsto kultūru un masu kultūru. Vēstures, literatūras un mākslas vēstures citāti un atsauces padara grāmatu par izglītojošu romānu vai pat literāru viktorīnu. Bet pat tie, kurus tas neinteresē, var izbaudīt Eko darbu kā aizraujošu trilleri.
Līdzīgi Pīters Grīnevejs savā 1982. gada filmā Karikatūrista līgums apvienoja vēsturiskās filmas žanru ar trilleri, taču atšķirībā no Echo tas neatrisina mīklu. Lai gan sižets sniedz daudzus klasiskus pavedienus, tie visi nekur neved.
vizuālās mākslas
Termina postmoderna lietošanu noraida daudzi teorētiķi un mākslinieki, īpaši vizuālās mākslas jomā, ņemot vērā plašo izteiksmes formu spektru. Modernisma pārliecības par inovācijām noraidīšana ir arī viens no tēlotājmākslas postmodernās estētikas pamatiem. Postmodernisms ir saistīts ar vēsturiskām mākslas kategorijām, kuras modernitāte noraidīja, piemēram, naratīvām un mitoloģiskām struktūrām.
Tas jau sākas ar Endija Vorhola 1950. gadsimta ikonu attēlojumu, sākot no Elvisa līdz Džekijam Onasisam. Popmāksla arī iezīmēja pārtraukumu ar modernitāti XNUMX. gados, atvadoties no abstrakcijas. XNUMX. gados vizuālā māksla, tāpat kā tā laika arhitektūra, uzsvēra juteklisko, emocionālo un tradicionālo aspektu nozīmi pār teoriju un koncepciju.
XNUMX. gados kolektīvs New Wild (Neue Wilden) ar savu ekspresīvo un reprezentatīvo glezniecību lauza minimālistiskā un konceptuāli strādīgā avangarda dominanci. Līdzīgas tendences bija arī ASV un Itālijā.
Pēc tam, kad viesulis apmetās ap jaunajiem mežoņiem, nostiprinājās tendences, kas koncentrējās uz refleksiju par glezniecības mediju un juteklisku eksperimentu ar gleznieciskajiem medijiem (Zigmārs Polke, Anselms Kīfers, Gerhards Rihters), glezniecības reprezentāciju minimālisma un konceptuālā darba avanta pārsvarā. dārzs. Līdzīgas tendences bija arī ASV un Itālijā.
Šim laikam raksturīgi ir divi mākslinieki, kuru darbos ietverta subkultūras un masu kultūras estētika: Kīts Hārings un Džefs Kūns. Haringam izdevās apvienot grafiti mākslas elementus, komiksus, datoru zīmju valodu, bērnu zīmējumus un agrīnās vēstures glezniecību ļoti poētiskā zīmju valodā, kas ir saprotama daudzās kultūrās. Džefs Kūnss 1990. gadu sākumā ieguva savu vārdu ar savu tēmu provokatīvo banalitāti.
Izmantotais materiāls parasti ir kvalitatīvs, taču tā virsmas dizains izraisa niecīgu un kiča pasauli, piemēram, daļēji apzeltītā, dabīgā izmēra porcelāna figūriņa Maikls Džeksons ar viņa šimpanzes burbuļiem.
Postmodernās estētikas prasība pēc plurālisma, subjektivitātes, attālināšanās no abstrakcijas, masu mediju iekļaušanas, dzimumu robežu izplūšanas un citātu kā mākslinieciska medija pieņemšana ainavā ir ienesusi krāsu un kustību.mākslas un muzeja.
Fotogrāfijas un filmas kā mākslas medija iespējamo atzīšanu var uzskatīt par postmoderno tendenču ilgstošu rezultātu. Īslaicīgs notikums: 2002. gada vasarā Ķelnes Ludviga muzejā lielas izstādes ietvaros tiks rādītas visas piecas filmas no Metjū Bārnija nesen pabeigtā "Cremaster Cycle".
Arhitektūra
1970. gadu vidū Čārlzs Dženkss arhitektūras diskursā ieviesa terminu postmodernisms. Tādā veidā postmodernais diskurss pirmo reizi sasniedza plašu sabiedrību. Šajā brīdī jau bija skaidri parādījušies postmodernās arhitektūras stilistiskie principi.
Bija nepieciešama demokrātiska un komunikabla arhitektūras valoda, kuras estētikai nevajadzētu balstīties tikai uz funkciju, bet arī uz nozīmīgu saturu. Tika lūgts iekļaut arī izdomātus elementus, piemēram, gotisko, kas katedrālē redzēja debesu Jeruzalemes attēlu.
Vienlaikus pieauga tendence saglabāt un pārveidot vēsturiskās ēkas. Spilgtākais piemērs bija Gare d'Orsay Parīzē, kas tika atvērts kā Orsē muzejs 1986. gadā. Šādas vēsturiskas ēkas ietekmēja postmodernās arhitektūras valodu, ko jau no paša sākuma spēcīgi noteica citāti.
Lai izvairītos no jauna historisma, devīze bija tāda, ka ironiski jālauž eklektika, kas izpaudās, piemēram, kolonnu, logu un režģu izmantojumā. Postmodernās arhitektūras spektrs īpaši attīstījās XNUMX. un XNUMX. gadu muzeja ēkā.
Līdzās Hansa Holleina Abteibergas muzejam (Menhengladbaha), Džeimsa Stērlinga Valsts galerija (Štutgarte) tiek uzskatīta par veiksmīgu un raksturīgu postmodernisma produktu. Stērlinga dizainā daudzas atsauces uz vēsturisko arhitektūru, sākot no Ēģiptes līdz klasiskajam modernismam, ir sapludinātas ar popkultūras krāsām un tipiskiem reģionālajiem smilšakmens un travertīna materiāliem, lai radītu vienotu, mūsdienīgu formu.
Pēdējā laikā, runājot par muzeju celtniecību, pieredzes raksturs ir izvirzījies arvien vairāk priekšplānā nekā izglītības prasības.
Tā vietā, lai apsvērtu meditatīvu mākslu, ir nepieciešama inscenēšana, un pati arhitektūra tiek iestudēta ar satriecošiem skatiem un teatrāliem efektiem. Pirmie publiskie apmeklējumi arvien biežāk notiek pirms gleznu izkāršanas, lai arhitektūru varētu izjust.
Postmodernisma fokuss uz populāro kultūru
Mākslas kritiķi bieži lieto terminu "augstā kultūra", mēģinot atšķirt glezniecības un tēlniecības mākslu (un citu vizuālo mākslu) no populārās žurnālu, televīzijas un citu masveidā ražotu produktu kultūras. Modernisms un tā ietekmīgie sekotāji, piemēram, Grīnbergs (1909–94), uzskatīja šīs kultūras formas par zemākām. Turpretim postmodernisti, kas dod priekšroku demokrātiskākai mākslas koncepcijai, uzskata "augsto kultūru" par elitārāku.
Popmāksla, pirmā postmodernā kustība, parastās patēriņa preces pārvērta mākslā. Popmākslinieki un citi gāja vēl tālāk savos mēģinājumos demokratizēt mākslu, drukājot savu "mākslu" uz krūzēm, papīra maisiņiem un T-krekliem — metode, kas, starp citu, ir postmodernisma tieksmes, oriģinalitātes un autentiskuma paraugs. grauj mākslu.
Postmodernie mākslinieki ir atteikušies no priekšstata, ka mākslas darbam ir tikai viena neatņemama nozīme. Tā vietā viņi uzskata, ka skatītājs ir vienlīdz svarīgs nozīmes avots. Sindijas Šermenes sirreālā fotogrāfija, piemēram, pasvītro ideju, ka mākslas darbu var interpretēt dažādos veidos.
Faktiski daži mākslinieki, piemēram, performanču māksliniece Marina Abramoviča, pat ļauj skatītājiem piedalīties viņu mākslā vai pat pieprasa auditorijas ieguldījumu, lai pabeigtu savu darbu.
Koncentrējieties uz izrādi
Tā kā dzīvei nav patiesas jēgas, it īpaši, ja dienu un nakti tiekam pakļauti radio un televīzijas reklāmām, postmodernie mākslinieki ir izvēlējušies ierobežot sevi stilā un izrādē, bieži izmantojot reklāmas rīkus un paņēmienus, lai panāktu lielāku ietekmi. Šo pieeju raksturo komerciālās drukāšanas process, kurā tiek izmantoti plakātiem līdzīgi popmākslinieku, piemēram, Roja Lihtenšteina un Džeimsa Rozenkvista attēli.
Virspuses fokuss ir raksturīga postmodernās mākslas iezīme, un dažreiz tā izceļas ar teatrāliem, izciliem, ļoti iedarbīgiem tēliem. Kopš 1980. gada datoru un citu tehnoloģiju izmantošana ir radījusi revolūciju multimediju mākslā (piemēram, animācijā) un radījusi īpašas iespējas tādās jomās kā arhitektūra.
To, cik svarīgi ir piesaistīt publikas uzmanību postmodernismā, parāda Goldsmita koledžas studentu grupas, kas pazīstama kā Young British Artists, šokējošā taktika XNUMX. gadu beigās un XNUMX. gados Londonā. Slaveni trīs šovu dēļ YBA tika kritizēti par savu slikto gaumi, tomēr vairāki no viņiem kļuva par Tērnera balvas ieguvējiem, bet citi ieguva ievērojamu slavu un bagātību.
Apmierināt patērētāju vajadzības
Patērētāju uzvedības un tūlītējās baudas kultūras uzplaukums XNUMX. gadsimta pēdējās desmitgadēs ir arī spēcīgi ietekmējis vizuālo mākslu. Patērētāji tagad vēlas inovācijas. Viņi arī vēlas atpūtu un jautrību. Daudzi postmodernie mākslinieki, kuratori un citi profesionāļi izmantoja iespēju pārvērst mākslu par jautrības produktu.
Jaunu mākslas veidu, piemēram, performanču, pasākumu un instalāciju, kā arī jaunu tēmu, tostarp mirušu haizivju, milzu ledus skulptūru, daudzu kailu ķermeņu, ēku, kas šķiet kustībā, trīsdesmit piecu tūkstošu kolekcijas ieviešana. terakotas figūras, apgleznoti ķermeņi, rāpojošas projekcijas uz sabiedriskām ēkām (un daudz kas cits) — tās ir sniegušas skatītājiem daudz jaunu, dažkārt šokējošu pieredzi.
Tas, vai šie jaunie mākslas veidi patiesībā ir "māksla", joprojām ir jautājums, kas izraisa daudz diskusiju. Postmodernie konceptuālisti apgalvo, ka tā ir, savukārt tradicionālisti atsakās to uzskatīt par tādu.
postmodernās mākslas principi
Speciālistiem postmodernā māksla sastāv no trim pamatprincipiem, kas to vispārīgi regulē, pilnībā neierobežojot:
tūlītēja nozīme
Vairs vairs nav izbalējušu eļļas gleznu, kas attēlo grieķu mitoloģijas notikumus, lai izraisītu zinošu smaidu no kultivēta vērotāja. Kopš pirmsākumiem popmākslas kustībā postmodernā glezniecība un tēlniecība ir bijusi drosmīga, izcila un uzreiz atpazīstama.
Motīvi un attēli galvenokārt tika ņemti no augsta līmeņa patēriņa precēm, žurnāliem, reklāmām, televīzijas, filmām, multfilmām un komiksiem. Pirmo reizi visi saprata izstādīto mākslu. Lai gan postmodernisms ir attīstījies no popārta, viens galvenais jēgas mērķis paliek uzreiz redzams.
Mākslu var izgatavot no jebkā
Balstoties uz Marsela Dišāna tradīcijām, kura pisuārs ar nosaukumu Strūklaka (1917) bija pirmais slavenais parasta priekšmeta paraugs, kas pārvērsts mākslas darbā (cits piemērs: Stāsts par gatavu), mākslas mākslinieki postmodernisti to izveidoja. viņu bizness radīt mākslu no visneparastākajiem materiāliem un gružiem. Tās ideja ir demokratizēt mākslu un padarīt to pieejamāku.
Ideja ir svarīgāka par pašu mākslas darbu
Līdz 1960. gadiem mākslinieki parasti uzskatīja, ka bez gatavā produkta nekas nebūs. Liela uzmanība tika pievērsta gatavā mākslas darba kvalitātei un tam nepieciešamajai meistarībai. Šodien lietas ir savādākas.
Postmodernisti mēdz vairāk ticēt galaprodukta koncepcijai, nevis pašam produktam, tāpēc liela daļa "postmodernās mākslas" tiek saukta par "konceptuālo mākslu" vai "konceptuālismu". Citas konceptuālisma formas ir instalācijas, skatuves māksla, hepeningi, projekcijas māksla un daži citi.
Ievērojami postmodernie mākslinieki
Tā kā esam postmodernās mākslas laikabiedri, ir grūti atšķirt tā laika ikoniskos nosaukumus. Tikai pēc kāda laika varēs pateikt, kuri mākslinieki atstājuši izteiksmīgas pēdas glezniecības vēsturē un kuru slava bija tikai veltījums modei. Bet, tā kā postmodernisms ir attīstījies vairāk nekā pusgadsimtu, varam nosaukt dažus jau vēsturē ierakstītos nosaukumus. Tie ietver, piemēram:
- Dadaists, sirreālists un konceptuālisma pamatlicējs Marsels Dišāns
- Endijs Vorhols popmākslas vadītājs
- Montāžas pionieris Cēzars Baldačīni
- Slavenais konceptuālists Brūss Naumans
- Roberts Raušenbergs, Remedioss Varo Uranga, Frensiss Bēkons, Demjens Hērsts, Džefs Kūns.
Marcel Duchamp
Marsels Dišāns (dzimis 28. gada 1887. jūlijā — miris 2. gada 1968. oktobrī) bija avangarda mākslas meistars, pazīstams ar saviem ekstravagantajiem mākslas darbiem. Marsela Dišāna darbi nepakļāvās iedibinātajām tradīcijām un skandalozajā hronikā tika vairākkārt apspriesti abās okeāna pusēs.
Savas karjeras sākumā gleznojis postimpresionisma stilā, godinot kubismu un fovismu, bet pēc tam atteicās no glezniecības un aizrāvās ar instalāciju veidošanu, kurās miksēja tehnikas un izmantoja dažādu faktūru materiālus. Mākslinieka revolucionārajām idejām bija liela ietekme uz konceptuālās mākslas attīstību XNUMX. gadsimtā.
Endijs Vorhols
Endijs Vorhols (dzimis 6. gada 1928. augustā — miris 22. gada 1987. februārī) bija pieprasīts XNUMX. gadsimta amerikāņu mākslinieks un galerijas īpašnieks. Viņš sniedza lielu ieguldījumu komerciālā popmākslas attīstībā. Endiju Vorholu pamatoti uzskata par tādas tendences kā uomo universale līderi.
Robert Rauschenberg
Roberts Raušenbergs (dzimis 22. gada 1925. oktobrī – miris 12. gada 2008. maijā) XNUMX. gadsimta amerikāņu mākslas titāns saskaņā ar laikrakstu The New York Times, bija izcils mākslinieks un radītājs, abstraktā impresionisma, konceptuālisma pārstāvis, gatavs un dibinātājs. no popmākslas.
Roberta Raušenberga gleznas ir kolāžas un instalācijas, obeliski, sadzīves priekšmeti un citi grūti klasificējami priekšmeti. Meistara darbs, tāpat kā viņa biogrāfija, ir šokējošs, pārsteidzošs, pretīgs un burvīgs, taču neatstāj vienaldzīgu. Ugunīgs biseksuāls, neapmierināts farmaceits, visa klasiskā un parastā pretinieks, viņš pastāvīgi izaicināja sevi un apkārtējo pasauli.
